Entrevista #2 – Felix Commerell: El ADN del rock de los 80 llevado al presente desde el teclado

Felix Commerell: El ADN del rock de los 80 llevado al presente desde el teclado

La nueva generación del rock europeo continúa evolucionando al fusionar influencias clásicas con sonidos modernos. Desde Lucerna, Suiza, el tecladista y compositor Felix Commerell se posiciona como una de las propuestas emergentes dentro del synth rock, construyendo un sonido que rescata la esencia del rock de los años 80 y la proyecta hacia una estética contemporánea.

Antes de iniciar su camino como solista, Felix formó parte de la banda Fighter V y participó en diversos proyectos, experiencia que le permitió desarrollar una visión sólida tanto en el estudio como en el escenario. Hoy, su propuesta se distingue por combinar melodía, emoción y una fuerte carga de energía creativa con texturas cinematográficas y una clara identidad sonora.

A través de plataformas digitales como Facebook, Instagram y TikTok, también ha encontrado una forma de conectar con nuevas audiencias reinterpretando intros icónicos del rock de los años 80 desde el teclado, reforzando su concepto de “80s DNA with modern drive”.

Con su más reciente lanzamiento, una reinterpretación del clásico “Run To You” de Bryan Adams junto a Dave Niederberger, Felix continúa definiendo su camino como artista solista. En esta entrevista con Glam / Hard Rock, nos habla sobre su evolución, influencias y visión dentro del rock actual.

Entrevista con Felix Commerell

“80s DNA with modern drive.”

1. Tu proyecto se define como una reinterpretación del rock clásico con un enfoque moderno y cinematográfico. ¿Cómo desarrollaste esa identidad sonora?

Siempre me ha fascinado la música que crea una fuerte atmósfera y emoción. Uno de los primeros músicos que realmente me inspiró fue Carlos Santana. Lo que me impresionaba era que su forma de tocar no se trataba de presumir como guitarrista, sino de expresar emoción y contar una historia a través del sonido. Esa idea tuvo una gran influencia en la forma en la que abordo la música.

Durante mi etapa con Fighter V ya llevábamos fuertes influencias de los años 80 en nuestra música, mientras intentábamos crear algo propio. Para mí nunca se trató simplemente de copiar esa época, sino de celebrar el rock de los años 80 en un contexto moderno. Siempre me ha gustado experimentar e intentar cosas nuevas, así que quise tomar el espíritu y el ADN musical de los 80 y convertirlo en algo que se sintiera como mi propio estilo. Con mi proyecto solista ahora tengo aún más libertad para explorar diferentes sonidos y arreglos que pueden sentirse inusuales o inesperados, pero que pueden llevar a algo único.

El aspecto cinematográfico viene de mi gusto por las producciones grandes y las atmósferas tipo soundtrack. Me gusta la música que te atrapa de inmediato y crea un viaje emocional. Como tecladista utilizo sintetizadores y texturas para darle a cada canción su propio carácter, pero siempre tratando de mantener el equilibrio y dejar espacio para las voces y las guitarras.

La idea detrás de mi sonido es combinar la composición emocional y el carácter del rock de los 80 con producción moderna y nuevas ideas para crear algo que se sienta tanto nostálgico como actual.

2. Gran parte de tu propuesta gira en torno al ADN del rock de los 80. ¿Qué tiene esa época que sigue siendo tan relevante para ti hoy?

Para mí, los años 80 fueron una época increíble para la composición. Muchas canciones de ese tiempo tienen melodías y coros que se quedan contigo para siempre. Incluso décadas después, la gente sigue reconociendo esos coros e intros al instante, lo que demuestra lo fuerte que era la composición.

Además, las producciones eran enormes. Las canciones estaban construidas alrededor de un sonido grande, con baterías potentes, guitarras y sintetizadores creando una atmósfera muy amplia. Ese tipo de producción hacía que la música se sintiera muy poderosa y emocional.

Para mí, esa época es un gran recordatorio de lo importante que son la composición sólida y el impacto emocional. Son elementos que siempre tengo presentes cuando creo mi propia música.

3. Después de años tocando con Fighter V y participando en otros proyectos, ¿qué te llevó a iniciar esta nueva etapa como solista?

Después del lanzamiento de nuestro segundo álbum con Fighter V, llegué a un punto en el que sentí que la banda y yo estábamos comenzando a ir en direcciones diferentes de manera gradual. Con los cambios de alineación que tuvimos con el tiempo, empezó a sentirse como que nuestras visiones y objetivos ya no estaban completamente alineados. La banda fue una parte enorme de mi vida durante más de siete años, y di todo para ayudar a construirla y llevarla hacia adelante, así que tomar la decisión de alejarme definitivamente no fue nada fácil.

Durante mis años en Fighter V, mi enfoque principal siempre fue desarrollar la banda y trabajar hacia nuestros objetivos en común, lo que significaba que muchas de mis propias ideas musicales y ambiciones tenían que quedarse en segundo plano. Cuando esa etapa llegó a su fin, tuve el tiempo y la libertad de explorar esas ideas.

“El proyecto solista se desarrolló de manera natural y me dio la libertad de explorar ideas que no había tenido la oportunidad de desarrollar antes.”

Quería seguir creando música y expresarme de nuevas maneras que antes no había podido explorar. El proyecto me permite experimentar con diferentes sonidos y colaborar con varios músicos increíbles, algo que realmente disfruto.

Todavía me encanta trabajar en entornos de banda y presentarme en vivo con otros músicos. Así que definitivamente mi objetivo es volver al escenario con nuevos proyectos en el futuro, ya sea formando una banda alrededor de mi música o uniéndome a otros proyectos interesantes. Por ahora, el proyecto solista me da la libertad de mantenerme creativo, conectar con distintos artistas y abrir nuevas oportunidades mientras continúo mi camino como músico.

4. ¿Qué diferencias encuentras entre trabajar dentro de una banda y desarrollar tu propio proyecto artístico?

Trabajar en una banda y desarrollar tu propio proyecto son dos experiencias muy diferentes, y ambas tienen sus ventajas. En una banda tienes varias mentes creativas en la sala, lo cual puede ser increíblemente inspirador. A veces simplemente estás probando una idea y otro miembro de la banda reconoce inmediatamente su potencial y te dice que la grabes.

“Ese tipo de intercambio creativo puede llevarte a momentos que quizás no alcanzarías por tu cuenta.”

Pero al mismo tiempo tienes que encontrar un equilibrio entre diferentes opiniones y asegurarte de que la música encaje con la visión general de la banda.

Con mi proyecto solista tengo más libertad para explorar ideas y seguir mis propios instintos musicales sin tener que preocuparme tanto por si algo encaja dentro de un estilo específico de banda. Pero también implica mucha responsabilidad. Mientras que en una banda los aspectos organizativos pueden dividirse entre los miembros, como solista estás involucrado en cada parte del proceso, desde escribir y grabar las canciones hasta coordinar lanzamientos, visuales y promoción. Creo que mucha gente subestima todo el trabajo que hay detrás de lanzar música más allá de la parte creativa.

Cuando se trata de tocar en vivo, definitivamente prefiero la energía de una banda en el escenario. Tocar junto a otros músicos crea una dinámica especial donde todos se impulsan entre sí, y eso es algo que realmente me encanta.

5. Te desarrollas como músico en distintos entornos: sesión, estudio y presentaciones en vivo. ¿Cómo cambia tu enfoque como tecladista en cada uno de estos contextos?

En el estudio hay un enfoque mucho más creativo. Te sumerges completamente en la canción, piensas en los arreglos correctos de teclado e intentas encontrar sonidos y partes que apoyen la música de la mejor manera posible. Es un proceso muy detallado donde tienes tiempo para experimentar, rehacer cosas y seguir refinando ideas hasta sentir que el resultado realmente sirve a la canción.

Las presentaciones en vivo son muy diferentes porque todo sucede en el momento. Una vez que subes al escenario, tienes que responder ahí mismo. Por eso la preparación se vuelve extremadamente importante. Quieres conocer el material a la perfección para poder enfocarte en la interpretación y no en pensar qué notas siguen.

Pero tocar en vivo no se trata solo de ejecutar correctamente tus partes. También se trata de servir a la banda y a las canciones para que el público tenga la mejor experiencia posible. Llevar energía, presencia escénica y una actitud genuina hace una gran diferencia, porque esa conexión con el público es lo que realmente convierte un concierto en algo memorable.

“Esa conexión con el público es lo que realmente convierte un concierto en algo memorable.”

Tu lanzamiento más reciente es una reinterpretación de “Run To You” de Bryan Adams. ¿Qué te motivó a versionar este clásico y cómo fue el proceso de adaptarlo a tu estilo?

Tuve la idea de tomar una canción más suave y orientada al pop de los años 80 y convertirla en un tema de synth rock. Mientras revisaba diferentes canciones de esa época, el intro de “Run To You” llamó inmediatamente mi atención. Es una introducción tan icónica, y de inmediato tuve la idea de traducirla a un sonido moderno impulsado por sintetizadores.

“Es una introducción tan icónica, y de inmediato tuve la idea de traducirla a un sonido moderno basado en sintetizadores.”

A partir de ahí comencé a construir el arreglo alrededor de ese intro.

Al adaptar la canción, quise darle una sensación más fuerte de rock. Agregué varias capas de sintetizadores para crear una atmósfera más grande y trabajé en partes de guitarra más pesadas junto a Erik Bogren, quien realmente ayudó a dar vida a esa visión. Para la parte del solo cambié completamente el enfoque y opté por un solo de sintetizador con un estilo más electrónico para darle un giro nuevo a la canción.

Para la voz contacté a Dave Niederberger, el ex cantante de Fighter V. Ya habíamos trabajado juntos en el álbum debut de la banda, así que sabía que su voz encajaría perfectamente con el arreglo.

7. Sabemos que estás trabajando en nuevo material junto a Gianni Pontillo, actual vocalista de Nazareth. ¿Cómo surgió esta colaboración y qué podemos esperar de este proyecto?

Conocí a Gianni Pontillo dentro de la escena rock de Suiza. En 2020 tuvimos la oportunidad de abrir un show para su banda, y el año pasado volvimos a coincidir detrás del escenario en un festival donde ambos estábamos tocando. Empezamos a hablar sobre música y le mencioné que estaba planeando grabar algunos covers para mi proyecto solista. Le pregunté si le gustaría participar en uno de ellos y le gustó la idea.

Unos meses después volví a contactarlo y lo hicimos realidad. La canción en la que participa será de hecho mi próximo lanzamiento, que saldrá muy pronto, y es una reinterpretación de un clásico del rock suizo.

La canción terminó convirtiéndose en un tema de arena rock más pesado, con la poderosa voz de Gianni liderando, apoyada por otros dos músicos increíbles que se unieron a la grabación. Y por supuesto, los sintetizadores también juegan un papel importante, así que estoy muy emocionado de que la gente finalmente pueda escucharla.

8. Tu música tiene una fuerte presencia de melodía, emoción y energía creativa. ¿Cómo logras equilibrar estos elementos al momento de componer?

Para mí, normalmente todo comienza con un riff o una melodía en el teclado. A partir de ahí empiezo a construir la canción alrededor de esa primera idea y veo hacia dónde me lleva. La dinámica emocional es muy importante para mí. Una canción no puede estar al 120 por ciento todo el tiempo. Necesita momentos en los que crece, llega a un gran coro, pero también partes donde baja la intensidad. Esos contrastes son los que hacen que los momentos emocionales realmente destaquen.

El arreglo también juega un papel enorme en la sensación final de una canción. Incluso si la composición se mantiene igual, la forma en la que organizas los instrumentos puede cambiar completamente la vibra o incluso llevar la canción hacia otro género.

Al equilibrar todos estos aspectos, es importante no pensar que tú eres el centro de todo. También tienes que dejar espacio para los demás músicos. Puede haber momentos en los que das todo, pero también deben existir momentos en los que das un paso atrás y dejas que alguien más tome el control. Al final, tienes que servir a la canción, no a tu ego.

“Tienes que servir a la canción, no a tu ego.”

9. En tus redes sociales compartes reinterpretaciones de intros icónicos del rock de los 80 en el teclado. ¿Qué te motiva a rescatar estos momentos clásicos y cómo influyen en tu identidad como artista?

Empecé a hacer este formato de video principalmente como una forma de conectar con personas que comparten el mismo amor por el sonido de los años 80. La respuesta ha sido increíble, especialmente en Facebook. He recibido muchos comentarios de fans del rock de los 80, otros músicos y muchos tecladistas. Es genial ver que tanta gente sigue conectando con ese sonido hoy en día.

Siempre he sido un gran fan de los intros fuertes. Para mí, muchas veces es una de las partes más emocionantes de una canción, porque es el momento en el que atrapas al oyente. Probablemente por eso también disfruto mucho escribir intros cuando compongo mi propia música. Es fascinante cómo solo unas pocas notas pueden ser suficientes para que la gente reconozca una canción al instante.

“Es fascinante cómo solo unas pocas notas pueden hacer que la gente reconozca una canción al instante.”

10. ¿Qué tan importantes consideras las plataformas de medios independientes como Glam / Hard Rock para promover el hard rock hoy en día?

Las plataformas independientes como Glam / Hard Rock son realmente importantes para la escena. El hard rock siempre ha tenido una comunidad muy apasionada y leal en todo el mundo, y plataformas como esta ayudan a mantener esa comunidad conectada al mismo tiempo que le dan a los artistas un espacio para compartir su música y sus historias. Les dan visibilidad a los músicos y la oportunidad de llegar a personas que están activamente buscando este tipo de música.

“Sin estas plataformas, sería mucho más difícil que los artistas den a conocer su música.”

Al mismo tiempo, ayudan a mantener vivo el espíritu del género al apoyar tanto a bandas establecidas como a nuevos artistas que siguen impulsando el género hacia adelante. Estoy muy agradecido con plataformas como Glam / Hard Rock que le dan a los músicos la oportunidad de ser escuchados y compartir su música con los fans.

11. Hoy en día estás construyendo una audiencia a través de plataformas digitales. ¿Cómo ha cambiado esto la forma en la que desarrollas tu carrera?

Creo que es una bendición y una maldición. Las plataformas digitales han abierto la puerta para que los artistas independientes compartan su música con el mundo. Ya no necesitas necesariamente grandes disqueras o management para que tu música sea escuchada. Hoy puedes lanzar música por tu cuenta, compartirla en redes sociales, proponerla a playlists y hacer tus propias campañas de promoción.

Lo que no me gusta de este desarrollo es que ya casi no es una opción. Si realmente quieres que tu música sea escuchada y construir una carrera, tienes que subirte a ese tren. Necesitas una fuerte presencia en redes sociales y tienes que promocionar tu música de muchas formas diferentes.

El reto es que todo el tiempo que se necesita para mantener esas cosas funcionando muchas veces le quita tiempo a lo que realmente importa: escribir música nueva, grabar canciones y mejorar como músico.

“Encontrar el equilibrio entre crear música y promocionarla se ha vuelto esencial.”

12. Como artista en crecimiento, ¿qué visión tienes para llevar tu música a una audiencia global?

Como mencioné antes, creo que una de las herramientas más importantes hoy en día son las redes sociales. Te permiten presentar tu música de forma creativa y llegar a fans de todo el mundo. Puedes compartir tu historia y permitir que la gente siga tu camino desde el inicio.

Trabajar con medios independientes también juega un papel importante. Entrevistas como esta le dan a los artistas la oportunidad de hablar más sobre su música, su personalidad y las ideas detrás de sus proyectos. Eso ayuda a que la gente entienda quién eres como artista y te permite construir una identidad más allá de la música.

Otra forma muy importante y divertida es a través de colaboraciones. Para mis lanzamientos quiero trabajar con diferentes músicos de todo el mundo. Eso no solo ayuda a llegar a nuevas audiencias, sino que también abre la puerta a nuevas ideas creativas. Y además, siempre es muy inspirador trabajar con otros músicos.

13. Si tuvieras que definir tu proyecto con una sola idea o mensaje para quienes descubren tu música por primera vez, ¿cuál sería?

“80s DNA with modern drive” probablemente describe mi proyecto de la mejor manera. Mi objetivo es capturar el espíritu del rock clásico de los años 80 y darle un pulso moderno, combinando lo mejor de ambos mundos.

Con una base sólida construida a lo largo de su trayectoria en bandas, proyectos y como músico de sesión, Felix Commerell se posiciona como una de las nuevas propuestas dentro del synth rock europeo, destacando por su capacidad de reinterpretar el espíritu del rock clásico desde una perspectiva moderna.

Su enfoque como tecladista, junto con su capacidad para conectar generaciones a través de la música y el contenido digital, lo convierten en un artista que entiende tanto el legado del género como las herramientas necesarias para hacerlo evolucionar hoy en día.

Con nuevos lanzamientos en camino y una identidad artística cada vez más definida, Felix continúa construyendo un proyecto con proyección internacional, manteniendo vivo el espíritu del rock mientras lo lleva hacia el futuro.

Escucha y sigue a Felix Commerell

Último lanzamiento

Run To You (feat. Dave Niederberger)